Le Bruit de l'art

Épisode 46 - Henri Crabières, dessinateur

Je suis Florian Champagne et, dans ce nouvel épisode du Bruit de l’art, je reçois Henri Crabières, dessinateur d’une vingtaine d’années.

Je suis tombé sur le travail d’Henri chez des amis qui avaient acheté un exemplaire de sa version illustrée de la Fable de la Fontaine « Les Animaux Malades de la Peste ». Sa patte est immédiatement reconnaissable. Il y a, dans sa façon de dessiner quelque chose qui semble relever de la simplicité, de la légèreté, à la fois potentiellement mignon, potentiellement drôle, potentiellement grave.

De là, j’ai découvert ses autres bandes dessinées, au trait tout aussi reconnaissable, mais où la couleur est travaillée différemment - plus comme des a-plats ou comme des touches.

J’ai aussi rencontré sa pratique de peinture sur bois, plus récente, développée suite à des conversations entre Henri et le galeriste, libraire et éditeur Yvon Lambert. J’aurais presque pu dire qu’il s’agissait là d’une « pratique plus personnelle », mais, comme nous en parlons dans cet entretien, la proximité avec son travail, avec ses sujets, est un des vecteurs essentiels des créations d’Henri.

Nous nous rencontrons chez moi, un premier avril, juste avant que nous ne partions chacun quelques semaines hors de Paris…

Épisode 45 - Théo Casciani, auteur

Je suis Victoria Le Boloc’h-Salama, et aujourd’hui, je reçois Théo Casciani, un auteur âgé d’une trentaine d’années. 

Ca fait plusieurs années que j’entends souvent le nom de Théo Casciani autour de moi. D’abord en 2019, avec Rétine, son premier livre publié chez P.O.L, et puis avec d’autres textes déclinant son écriture en performances, films, expositions et bien d’autres choses… Début 2026, j’entends à encore son nom car il vient de sortir Insula, son second roman, toujours chez P.O.L. - et ça finit par m’intriguer. D’autant que Théo Casciani, lui-même, donne l’impression d’être toujours en mouvement, comme sur une ligne imaginaire qui relierait Paris, Marseille, Bruxelles, et parfois beaucoup plus loin, jusqu’à Kyoto, Rome, New York.

Avant de faire sa connaissance, j’ai d’abord rencontré ses textes. A travers eux, j’ai eu l’impression de traverser moi aussi des images, des lieux - des Mercuriales de la Porte de Bagnolet jusqu’aux tours du quartier d’affaires de Londres, en passant par les rues perpendiculaires de Berlin ou les zones pavillonnaires de Béziers. 

Et puis un jour, ça se rejoint - justement au pied des Mercuriales : on se rencontre un après-midi de mars. Comme si, d’un coup, la fiction faisait face au réel. Je lui donne rendez-vous chez moi, un après-midi de mars alors qu’il est entre deux trains : il arrive de Bruxelles, il repart le soir même pour Marseille. C’est dans cet intervalle que commence cette conversation…

Épisode 44 - Fabien Adèle, peintre

Je suis Florian Champagne et, dans ce nouvel épisode du Bruit de l’art, je reçois Fabien Adèle, peintre d’une trentaine d’années.

La palette restreinte de Fabien Adèle, ses scènes figuratives à la fois évocatrices et abstraites, semblent dépeindre un état de rêve éveillé. Qui sont ces groupes de jeunes gens réunis en silence, et qu’est-ce qui les relie ? D’où provient la lumière qui les éclaire ? Où se trouvent-ils, d’où viennent ces paysages familiers ? Qu’est-ce qui, même, inspire leur création picturale ? Voilà autant de questions que son travail attise.

Entre une approche contemporaine et une sensibilité historique, les huiles sur toile de Fabien Adèle s’inspirent à certains égards de la pré-Renaissance. Si vous ne le connaissez pas encore, il a exposé dans plusieurs plusieurs grandes villes du monde, aussi bien dans des espaces indépendants, que dans des galeries comme celle d’Almine Rech.

Dans cet épisode, je le rencontre chez moi, une après midi de Novembre, alors que, fraîchement installé dans un nouvel atelier, il est en train d’imaginer et travailler sur les travaux actuellement montrés à Londres à la Public Gallery.

Épisode 43 - Zélikha Dinga, cheffe

Aujourd'hui, Victoria le Boloc’h-Salama et Florian Champagne reçoivent Zélikha Dinga, cheffe et artiste culinaire d’une trentaine d’années.

Zélikha Dinga est la fondatrice de Caro Diario, un studio culinaire dont vous avez forcément déjà croisé les créations sur Instagram. Depuis 2020, elle se distingue par une recherche esthétique à la fois créative et réconfortante, qui éveille avec intelligence et délicatesse les émotions et les souvenirs d’enfance.

Zélikha ne travaille pas dans un seul endroit : de l’entrée d’un musée à Paris, où elle propose chaque été de déguster des glaces, à des créations sur mesure pensées pour des évènements organisés par de prestigieuses maisons. Chaque projet est l’occasion de métamorphoser les ingrédients pour susciter l’émerveillement et créer des moments immersifs pour celui ou celle qui goûte ses créations - ou les voit en photo sur internet. 

Dans cet épisode, Zélikha revient sur son amour de toujours pour le sucré et la pâtisserie, sur l’importance du plaisir visuel et de l’imaginaire en cuisine, et partage ses réflexions autour des enjeux écologiques que soulève le travail de la nourriture.

Épisode 42 - Sixtine de Thé, artiste plasticienne et photographe

Aujourd'hui, Victoria Le Boloc’h-Salama reçoit Sixtine de Thé, une artiste plasticienne et photographe d’une trentaine d’années.

Dans une tentative constante de comprendre comment les images naissent, comment elles vivent - et quels désirs les traversent - Sixtine de Thé expérimente, met en tension par le biais de photographie, d’installation, de vidéos et de sculpture. Son travail ne se regarde pas confortablement. Il interroge, bouscule, et provoque des craquelures, à la fois temporelles et intimes, chez celui qui regarde.

Dans cet entretien, Sixtine de Thé revient sur son travail, évoque son attachement pour le Liban où elle habité quelques temps et nous parle de son goût immense pour la littérature et Notre-Dame des Fleurs de Jean Genet.

Épisode 41 - Maxime Muller, photographe

Aujourd’hui, Florian Champagne reçoit Maxime Muller, photographe d’une vingtaine d’années. 

Leur rencontre a lieu à Arles, à la Librairie du Palais, où Maxime travaillait cet été là - notamment via une série de livres d’artiste, Pornorama, dans laquelle il utilise des captures de vieux films pornographiques gays, qu’il organise par thèmes, explorant les narrations et l’esthétique de ces films. 

Le travail photographique de Maxime s’expose, et prend aussi le plus souvent la forme de livres, d’une idée à l’autre, d’une histoire à l’autre, qu’il s’agisse de ses journaux intimes, ou d’explorations de la communauté LGBTQIA+, comme lorsqu’il photographie dans son livre Une famille choisie la première house de seniors drags.

Dans cet entretien, Maxime raconte comment il a oscillé entre peinture, études de médecine et photographie, comment la mécanique des appareils et le rapport au monde qu’ils lui permettent sont nécessaires à sa manière d’appréhender son existence, et parle du rapport que sa photographie entretient à la liberté - celle des des esprits, mais aussi celle des corps, celle d’aimer.

Victoria & Florian profitent de cet épisode pour le remercier pour sa série de polaroïds d'eux - dont celui qui sert de pochette au Bruit de l'art.

Épisode 40 - Clément Cogitore, artiste plasticien et réalisateur

Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne y reçoivent Clément Cogitore, artiste plasticien et cinéaste d’une quarantaine d’années. 

Il est autant reconnu dans le monde de l’art contemporain que dans le monde du cinéma : il a gagné le prix Marcel Duchamp en 2018, et son premier long métrage a été sélectionné à la semaine de la critique du festival de Cannes. 

Les imaginaires collectifs, les conflits et les croyances sont les matières premières de ses œuvres, qui révèlent l’invisible autour de nous. Se confronter à un projet de Clément Cogitore, c’est prendre le risque d’une rencontre inattendue - comme pour sa mise en scène des Indes Galantes lorsqu’il demande à des danseurs, sur la scène de l’Opéra Garnier, d’interpréter, sur la musique de Rameau, les pas d’une danse urbaine née à Los Angeles dans les années 1990.

Épisode 39 - Florence Moorhead, créatrice de bijoux

Aujourd'hui, Victoria Le Boloc’h-Salama rencontre la créatrice de bijoux d'une quarantaine d'années, Florence Moorhead.

Déesses antiques, prêtresses celtiques, sorcières médiévales… Les créations de notre invitée s’inscrivent dans un imaginaire peuplé de figures puissantes, tout droit sorties du musée Louvre et réinventées dans une version new age.

Rien n’est accessoire dans les bijoux de Florence Moorhead. Conçus comme des objets magiques émancipateurs des corps qui les portent, les bijoux de Florence Moorhead incarnent aussi une vision transversale de la création, en étroite résonance avec l’art contemporain et la littérature.

Pour ce premier épisode du Bruit de l’art touchant à la mode, Florence Moorhead démontre oh combien ce domaine de création n’a rien de frivole car il est composé de gestes, d’idées, et des formes qui racontent aussi un rapport au monde, une époque…

Épisode 38 - Gaëlle Choisne, artiste plasticienne

Aujourd'hui, Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne reçoivent l’artiste plasticienne de 40 ans, Gaëlle Choisne.

D’abord, pour entrer dans l’œuvre de Gaëlle Choisne, libérez-vous des règles qui conditionnent votre regard et votre esprit.

Conçus comme des autels populaires faits de grigris et de matières diverses, ses vidéos et ses installations rendent hommage aux corps invisibles et aux cœurs dépossédés. 

Gaëlle Choisne ne croit pas au hasard, ni au temps. Son travail retranscrit un état de découverte constante, d’ouverture attentive sur le monde et les autres. Les rencontres qu’elle fait, les relations qu’elle noue, jouent une part de son œuvre. Il n’y a plus de grande histoire qui prévaudrait sur l’anecdote individuelle. 

Alors, avant de rentrer dans son univers, il s’agit d’accepter de se laisser surprendre, bousculer, déplacer.

#Rediff - Ronan Guillou, photographe

Durant l'été, retrouvez une sélection d'épisodes venant des archives du Bruit de l'art...

Cet épisode a été diffusé pour la première fois à l'hiver 2019.

Ronan Guillou nous a quittés en 2022 : cette rediffusion lui rend hommage.

#Rediff - Bianca Bondi, artiste plasticienne

Durant l'été, retrouvez une sélection d'épisodes venant des archives du Bruit de l'art...

Cet épisode a été diffusé pour la première fois au printemps 2020.

#Rediff - Jonathan Vinel, réalisateur

Durant l'été, retrouvez une sélection d'épisodes venant des archives du Bruit de l'art...

Cet épisode a été publié pour la première fois au printemps 2019.

Épisode 37 - Smiss, musicienne, productrice

Aujourd'hui, Florian Champagne reçoit la musicienne et productrice Caroline Auberger, plus connue sous le nom de Smiss.

Caroline allie le goût pour la musique pop des années 2000, la capacité à imaginer des cadeaux proches d’une performance artistique, et la volonté de dire « oui » à ce que la vie a à lui offrir, jusqu’à apprendre le piano comme une « chorégraphie de doigts » pour accompagner son frère, le musicien Jacques, en tournée.

Née au début des années 90 dans la région de Strasbourg, elle baigne très jeune dans un environnement new age et créatif, entre une mère professeur de yoga, et un père musicien. A dix huit ans, elle part vivre à Paris, où elle compte s'entraîner au dessin. Elle habite alors avec son frère, Jacques, dans un atelier d’artistes.

Petit à petit, jouer et créer de la musique s’impose à elle. Son premier single, « The Gate », date de 2022. Inspirée par les hits de son enfance dans les années 2000, elle sort, en mars 2025, un EP de pop en français « Tendance ».

Dans cet entretien, Caroline raconte le rapport qu'elle a entretenu, tout au long de sa vie, avec la musique, explique la façon dont elle écrit et compose, se laissant guider par la bonne humeur et les good vibes, et parle du moment de sa vie où elle écumait les squats de la région parisienne.

Épisode 36 - Marguerite Bornhauser, photographe

Aujourd'hui, Victoria Le Boloc’h-Salama reçoit la photographe Marguerite Bornhauser, âgée d’une trentaine d’années.

Que ses clichés soient figuratifs ou abstraits, qu’ils aient été réalisés dans le cadre de sa pratique plasticienne ou suite à des commandes de la presse, de maisons de mode ou pour le luxe, les photographies de Marguerite Bornhauser débordent de couleurs vives, saturées, brûlantes.

Marguerite Bornhauser se dit photographe d’invention - et cette expression dit tout. À la manière d’un exercice libre d’écriture, et obsédée par la littérature, Marguerite Bornhauser capte ses images comme elle pourrait choisir ses mots.

Épisode 35 - Thomas Coccimiglio, Les Éditions de Tapis

Aujourd'hui, c'est Thomas Coccimiglio, fondateur des Editions de Tapis, qui reçoit Florian Champagne à l'hôtel, dans le 15è arrondissement de Paris.

Thomas Coccimiglio est né en Belgique, dans la région de Charleroi. Intéressé par la créativité en général, et la mode en particulier, il commence par étudier la publicité, avant d’intégrer, à Bruxelles, l’école de recherche graphique.

A la fin de ses études, il mène une carrière de designer textile, de Londres, à Paris, en passant par New York.

Cherchant à sortir du monde de la mode et de sa temporalité, et en s’appuyant sur les savoir-faire d’artisans indiens rencontrés au fil de ses voyages, il commence à créer quelques tapis, avant de lancer sa marque, les Editions de Tapis. Désormais basé à Dijon, où il s’est installé au sortir du confinement, ses créations uniques se retrouvent aussi bien dans les magazines AD ou Monocle, exposées au Consortium, que dans les boutiques de la marque américaine Reformation. 

Dans cet entretien, Thomas raconte son goût pour le cinéma, du Marie Antoinette de Sofia Coppola à Copie Conforme d’Abbas Kiarostami, son enfance en Belgique et son rêve d’une vie parisienne, ce qui l’a amené à quitter la mode, lancer sa propre marque, et finalement déménager de Paris à Dijon.

Épisode 34 - Mathilde Albouy, sculptrice

Aujourd'hui, Victoria Le Boloc'h-Salama reçoit Mathilde Albouy, une sculptrice française de 27 ans.   

Dans son mémoire de fin d’études, elle s’interrogeait : La fiction peut-elle changer le monde ? 

Outre le fait que ce soit une très bonne question - il me semble que chacune de ses œuvres peut y apporter en soit un élément de réponse. 

Allant du métal au bois, les sculptures de Mathilde Albouy prennent la forme d’objets “d’apparat”, souvent tirés du vestiaire féminin. Faits d’échelles et de matériaux d’origines modifiés, ces œuvres agissent comme des foules menaçantes, échappant à toutes règles attendues.  

Dans cet entretien, Mathilde raconte de quoi est composé son univers culturel et comment son travail questionne les schémas d’oppression. Enfin, elle nous parle de son goût pour la littérature et les rayonnages des bibliothèques. 

Épisode 33 - Erwan Sene, artiste, musicien

Aujourd'hui, nous recevons l'artiste et musicien français Erwan Sene, âgé d’une trentaine d’années. 

Depuis 2016, Erwan Sene est diplômé des beaux-arts de Reims, mais c’est par la musique que tout a commencé pour lui. 

Il partage maintenant sa pratique entre la composition musicale, les sets en club, mais aussi la peinture et la sculpture. Ses œuvres évoquent des récits énigmatiques et hypnotiques, bercées par l’univers post-industriel et les fictions d’anticipations. Ces références communes amènent Erwan Sene a collaborer, depuis de nombreuses années, avec la maison de mode Courrèges et son designer, Nicolas Di Felice. 

Dans cet entretien, Erwan nous raconte comment sa pratique de la musique et des arts visuels s’inscrit dans une démarche unique où tout se complète et fait monde. Il nous raconte ce que représente pour lui le postmodernisme, et nous parle de son goût pour l’œuvre de l’artiste plasticien Guy de Cointet. Enfin, il explique son attachement pour le 15e arrondissement de Paris…

Saison 4 - Bande annonce

Le Bruit de l’art revient bientôt dans une nouvelle formule. Victoria le Boloc'h-Salama et Florian Champagne y reçoivent des invités du monde de l'art contemporain, mais aussi de celui du cinéma, de la musique, de la cuisine, de la mode... Tout ce qui fait culture aujourd'hui. Rendez-vous le 23 avril !

Épisode 32 - Danièle Kapel-Marcovici, collectionneuse

Épisode 31 - Martha Kirszenbaum, curatrice

Pour cet épisode, c’est notre invitée, Martha Kirszenbaum, qui nous reçoit chez elle. Martha Kirszenbaum est une curatrice indépendante française de 37 ans.  

Martha Kirszenbaum est curatrice, mais ne saurait être résumée à ce rôle. Du violon alto à la batterie, de la danse du ventre à la curation du pavillon français de la 58è Biennale de Venise, son parcours à l’international est représentatif de sa volonté de multiplier les expériences, de ne négliger aucune des facettes de sa personnalité, de réinventer les codes.

Dans cet entretien, Martha Kirszenbaum nous raconte le rapport familial entretenu à la photo, comment cela l’a amenée, lors d’un échange à l’université de Columbia, à passer quelques mois en tant que stagiaire au MoMa ; puis comment, de ce stage, elle a lancé une très belle carrière indépendante dans l’art contemporain. Elle nous parle des luttes qu’elle mène en France, à l’échelle de la curation, et nous explique comment celles-ci se sont illustrées lors de la création et mise en place du pavillon français de la 58è Biennale de Venise.

Épisode 30 - Bianca Bondi, artiste

Aujourd’hui, nous recevons l’artiste plasticienne sud-africaine Bianca Bondi. Cet épisode a été enregistré en public le 6 mars 2020 à Beau Regard à Paris, sur une invitation de l’équipe du Silencio. 

Vivant en France depuis près de 15 ans, Bianca Bondi réalise des œuvres évolutives, souvent spécifiques au lieu où elles sont exposées, à la croisée de plusieurs disciplines. Inspirée par l’écologie et les sciences occultes, elle travaille, transforme et développe des matières organiques ; tout en domptant l’effet du temps sur elles, l'invisible et l’immatériel qui les enveloppent.

Son travail a été montré à la 15e biennale d’art contemporain à Lyon en 2019, et fera l’objet d’une exposition personnelle au Centre d’art Le Parvis à Tarbes en 2020. 

Dans cet épisode, Bianca Bondi nous raconte les raisons qui l’ont poussé à déménager à Paris, comment, de ses rêves de pilote de ligne, elle a finalement décidé d'intégrer les Beaux Arts de Cergy, et nous explique enfin la manière dont elle se positionne en tant qu’artiste et femme engagée. 

Épisode 29 - Léonard Martin, artiste

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Léonard Martin. C’est un artiste plasticien de vingt huit ans qui vit et travaille à Paris. 

Après des études à l’Ecole des Beaux-arts de Paris, il intègre le Fresnoy de Tourcoing. Pratiquant initialement la peinture, c’est dans l’hybridation de différentes techniques - particulièrement la vidéo - que ses œuvres trouvent leurs formes actuelles. Son travail est une recherche autour des langages, des gestes, des mouvements, dans une forme de syncrétisme entre cinéma, littérature, peinture, performance : c’est un travail vorace, gourmand, comme le géant Gargantua qu’il cite dans ses références.

Après avoir gagné le prix de l’ADAGP en tant que révélation art numérique, art vidéo (2017), le Prix Dauphine (2018), les Audi Talents Awards (2018), Léonard Martin est nominé cette année pour le Prix Maif pour la sculpture.

Dans cet épisode, il, évoque son goût pour l’imperfection, nous raconte ses résidences notamment celle à la Villa Médicis à Rome, et nous parle du dialogue entre la littérature et l’histoire de l’art comme point de départ récurrent de ses réflexions et de son travail.

Épisode 28 - Rayane Mcirdi, artiste vidéaste

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Rayane Mcirdi. C’est un artiste vidéaste d’une vingtaine d’années qui habite à Paris

Après des études à l’école des Beaux-arts d’Angers, Rayane Mcirdi a été diplômé des Beaux-arts de Paris en 2019. Avec ses œuvres vidéos, il met en scène sa famille, des proches, des voisins chez eux ou à l'intérieur des lieux du quotidien. Dans ces vidéos, ils se racontent ou se laissent raconter par les images. Ce qui peut avoir l’air d’un film documentaire est nuancé par touches d’humour ou d’irréel. Par ses travaux, Rayane Mcirdi capture en creux des images d’Asnières Gennevilliers, dont il réalise un portrait rêvé, imaginé par ses propres habitants.

Dans cet épisode, il nous raconte son évolution de l’illustration vers la vidéo, sa quête d’un art sensible, accessible et compréhensible, ainsi que la manière dont il s’est rendu compte qu’il y avait peut-être un engagement dans le fait de montrer la banlieue, en voulant parler de son entourage proche.

Épisode 27 - Ronan Guillou, photographe

Aujourd’hui, nous recevons le photographe français Ronan Guillou. Cet épisode a été enregistré en public le 9 novembre 2019 au Silencio, sur une invitation de son équipe.

Vivant entre la France et les Etats-Unis, Ronan Guillou a une pratique décloisonnée de tous les genres. Images sociologiques, observation réflexives de paysages et récits personnels se croisent dans ses photographies d’expériences. Son travail fait partie de la collection Neuflize OBC et a été présenté lors des Rencontres d’Arles.

Dans cet épisode, il nous raconte comment il a appris la photographie en autodidacte, parle des origines de son travail et des dynamiques qui le traversent, et explique en quoi la photographie américaine est genre à part entière.

Épisode 26 - Hoël Duret, artiste

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Hoël Duret. C’est un artiste français d’une trentaine d’années qui habite entre Nantes et Paris. Il travaille actuellement à la résidence Saint Ange à Grenoble.

Après des études à l’école des Beaux Arts de Nantes, Hoël Duret consacre ses recherches plastiques à l’esthétique do it yourself. Il les synthétise à l’occasion de deux publications titrées I can do anything badly. Tout en restant fidèle à cet esprit DIY, son travail est aujourd’hui une série de fictions, dont les chapitres et les univers sont composés par les pièces qu’il crée. Chacune de ces pièces dévoile une facette d’une histoire qui lui préexiste, écrite par Hoël.

Dans cet épisode, il nous raconte comment il construit ses fictions et les œuvres qui les accompagnent, évoque son goût et son intérêt particulier pour le spectacle vivant, et, enfin, nous livre sa lecture du marché et de l’histoire de l’art d’aujourd’hui.

Épisode 25 - Daniele Balice, galeriste

A l'Hôtel de Lille, nous recevons Daniele Balice. C'est un galeriste italien établi en France.

Arrivé à Paris pour faire ses études, il part ensuite habiter à Milan puis New York, et écrit alors pour Vogue, Interview Magazine ou encore Flash-art. En 2007, il revient finalement à Paris et fonde, aux côtés d’Alexander Hertling, la galerie Balice-Hertling, alors située dans le quartier de Belleville. 

Dans cet entretien, Daniele Balice revient sur ce qui l’a amené à écrire dans la presse spécialisée en art contemporain, raconte la fondation de la galerie Balice-Hertling, et partage avec nous son grand intérêt pour les scènes extra-occidentales. 

Une émission créée, co-produite et présentée par Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne.

Musique originale d'Estelle Morfin.

Épisode 24 - Isabelle Bonnet, commissaire d'exposition, historienne de l'art

A l’Hôtel de Lille, nous recevons Isabelle Bonnet, commissaire de l’exposition « L’inventaire Infini », présentant, au Centre Pompidou et jusqu'au 11 novembre 2019, la collection de photographies du cinéaste Sébastien Lifshitz. 

Dans une première vie professionnelle, Isabelle Bonnet a été maquilleuse pour de grands photographes et de grands couturiers. En 2011, après vingt-cinq ans de métier, elle reprend des études d’histoire de l’art. Aujourd’hui, en parallèle de ses recherches sur la photographie contemporaine, elle réalise également le commissariat d’expositions, comme « Home sweet home », présentée aux Rencontres d’Arles 2019. 

Dans cet entretien, Isabelle Bonnet revient sur son parcours, raconte ce qui l’a amené à faire de la recherche en histoire de l’art et nous explique la conception ainsi que les enjeux de l’exposition « L’inventaire Infini ». 

Cet épisode est réalisé en partenariat avec le Centre Pompidou.

5/5 - Hors-Série « Jeunes Artistes en Europe. Les Métamorphoses » - Tenant of Culture, artiste

Pour ce cinquième et dernier épisode hors-série, nous recevons l’artiste plasticienne néerlandaise Hendrickje Schimmel, plus connue sous son nom d’artiste : Tenant of Culture. Son travail est à découvrir en ce moment à la Fondation Cartier.

Tenant of Culture a étudié le design de mode à l’école d’art ArtEZ à Arnhem, ville des Pays-Bas dont elle est originaire. C’est pour poursuivre sa formation au Royal College of Art qu’elle a ensuite déménagé à Londres. Son travail a été présenté lors d’expositions personnelles à la Outpost Gallery de Norwich à Sarabande (2018), à la Lee Alexander McQueen Foundation à Londres (2018) et à Clearview Ltd à Londres (2017).

En collectant, décomposant puis ré-assemblant des vêtements de seconde main qu’elle prend comme principal médium, c’est la mode prise comme une industrie mondialisée qu’elle interroge. Jouant des usures, taches et trous qui les ornent, elle élève ses tissus « bons à jeter » au rang d’œuvres d’arts, et propose une réflexion sur la surproduction et la surconsommation.

Dans cet épisode, elle revient sur son parcours, nous explique pourquoi elle a choisi de nommer sa pratique artistique Tenant of Culture et nous raconte la genèse de la série Works and Days (2018).

Épisode 23 - Bernard Frize, artiste

Au Centre Pompidou, accompagnés de Delphine Coffin du Centre Pompidou, nous recevons Bernard Frize, dans la salle titrée Sans Effort de son exposition personnelle Sans repentir, qui se tient jusqu’au 26 août 2019.

Né au milieu des années 1950 en France, il vit aujourd’hui entre Paris et Berlin. Représenté par la Galerie Perrotin, Bernard Frize est une figure incontournable de la scène artistique internationale. Sa peinture, mêlant abstraction conceptuelle et éléments figuratifs, cherche à créer un rapport loyal et distant avec le regardeur.

Dans cet épisode, il revient sur son exposition rétrospective Sans repentir. Il nous explique aussi le rapport qu’il entretient au travail quotidien qu’il aime : peindre à l’atelier. Enfin, il parle de son travail de recherche picturale : perpétuellement orientée vers le prochain tableau, elle ne cesse jamais.

4/5 - Hors-Série « Jeunes Artistes en Europe. Les Métamorphoses » - Gabriel Abrantes, réalisateur

À l’occasion de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses » présentée du 4 avril au 16 juin 2019 à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, le Bruit de l’art vous propose une série de podcasts inédits en cinq épisodes.

Pour ce quatrième épisode hors-série, nous recevons le réalisateur américano-portugais Gabriel Abrantes dont le court-métrage A Brief History of Princess X est à découvrir en ce moment à la Fondation Cartier.

Gabriel Abrantes a étudié à la Cooper Union à New York, aux Beaux-Arts de Paris et au Fresnoy à Tourcoing. Son travail, d’abord plus proche de la vidéo d’artiste, s’est rapproché ces dernières années du cinéma de fiction grand public. Il a ainsi été présenté à la Semaine de la Critique de Cannes (Grand Prix), à la Berlinale (Prix EFA) ou au Festival du Film de Locarno (Léopard d’or), mais également été exposé à la Tate Britain (Londres), au KW Institute for Contemporary Art (Berlin), au Palais de Tokyo (Paris)... Dans ses films, l’humour décalé et l'absurde sont souvent utilisés pour revisiter des mythes d’une culture mi-pop mi-historique et faire écho à d’importants questionnements contemporains.

Dans cet épisode, il revient sur son parcours, son passage de son activité de peintre à celle de cinéaste, explique ce qui le pousse encore à faire des aller-retour entre peinture et vidéo, et nous raconte la genèse de son court-métrage A Brief History of Princess X.

Musique originale de Rinôçérôse.

Épisode 22 - Imane Farès, galeriste

Pour cet épisode, Imane Farès nous reçoit dans sa galerie, située rue Mazarine dans le quartier de Saint-Germain des Prés à Paris. Imane Farès est une galeriste d'une cinquantaine d'années.

Passionnée de cinéma, c’est son attrait pour la vidéo d’artiste qui la pousse à ouvrir sa galerie en 2010. D’origine libanaise, née au Sénégal et basée à Paris elle décide de consacrer sa galerie à la représentation de la scène artistique d’Afrique et du Moyen-Orient. Collectionneuse et galeriste, Imane Farès est avant tout une femme d’engagement: ce qui compte pour elle, c’est l’indépendance de son goût, de ses jugements, de nouer un contact intuitif et personnel avec ses artistes. Elle est aujourd’hui assistée au quotidien par Line Ajan, qu’elle évoque au cours de l’interview.

Dans cet entretien, Imane Farès revient sur son parcours, nous explique son approche engagée du métier de galeriste et nous parle aussi du travail de Basma Alsharif, artiste dont elle présente l’exposition “24/7” jusqu’au 20 juillet 2019.

3/5 - Hors-Série « Jeunes Artistes en Europe. Les Métamorphoses » - Marion Verboom, artiste

À l’occasion de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses » présentée du 4 avril au 16 juin 2019 à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, le Bruit de l’art vous propose une série de podcasts inédits en cinq épisodes.

Pour ce troisième épisode hors-série, c’est la plasticienne française Marion Verboom qui nous reçoit dans son atelier, situé dans le 20e arrondissement de Paris. Ses Achronies, sculptures prenant la forme de colonnes ou de totems, selon ce que l’on a envie d’y voir, témoignent de l’évolution de sa pratique artistique et de ses influences. Accompagnées d’une fresque réalisée in situ, et d’une corne d’abondance revisitée, Cornucopia, ces travaux sont à découvrir en ce moment à la Fondation Cartier.

Marion Verboom est diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et a suivi le programme de résidence DE ATELIERS à Amsterdam (2009-2011). Représentée par la galerie parisienne Jérôme Poggi, mais aussi par The Pill à Istanbul, son travail a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles et collectives en France et à l’étranger. Souvent à la croisée de l’architecture et de la sculpture, ses œuvres peuvent être vues comme les fruits hybrides d’explorations relatives à l’histoire cosmopolite, l’archéologie ou encore la géologie.

Dans cet épisode, elle revient sur son parcours et ses voyages. Elle évoque également son intérêt pour les objets, ses « trouvailles », qui l’inspirent. Enfin, elle revient sur la genèse des œuvres présentées à l’exposition « Jeunes Artistes en Europe. Les Métamorphoses » .

Musique originale de Rinôçérôse.

2/5 - Hors-Série « Jeunes Artistes en Europe. Les Métamorphoses » - Jonathan Vinel, réalisateur

À l’occasion de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses », présentée du 4 avril au 16 juin 2019 à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, le Bruit de l’art vous propose une série de podcasts inédits en cinq épisodes.

À l’Hôtel Aiglon, pour ce deuxième épisode hors-série, nous recevons Jonathan Vinel, cinéaste français dont le court-métrage Martin Pleure est à découvrir en ce moment à la Fondation Cartier.

Jonathan Vinel a étudié le montage à la Femis. En 2017 il réalise Martin pleure, alors qu’ils écrivent avec Caroline Poggi leur premier long métrage, Jessica Forever. Travaillant régulièrement ensemble, ils co-signent par exemple les courts-métrages After School Knife Fight réalisé en 2017 ou encore Tant qu’il nous reste des fusils à pompe, qui a reçu en 2014 l’Ours d’Or à la Berlinale. Dans chacun de ces films, on trouve un vocabulaire d’images et de thèmes communs: les liens communautaires, l’amour, la violence, la perte…. Articulés autour d’images liées à la culture de sa génération, les films que Jonathan Vinel propose sont en dehors des contraintes de narrations et des canons cinématographiques traditionnels.

Dans cet épisode, Jonathan Vinel revient sur son parcours et parle du processus créatif qui guide l’écriture et la réalisation de ses films. Il évoque également son intérêt pour les moments de transitions, de changement - de métamorphoses, en quelque sorte. Il aime capter, puis retranscrire en images les sensations, les émotions qu’ils provoquent.

Musique originale de Rinôçérôse.

1/5 - Hors-Série « Jeunes Artistes en Europe. Les Métamorphoses » - Thomas Delamarre, commissaire de l'exposition

À l’occasion de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses » présentée du 4 avril au 16 juin 2019 à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, le Bruit de l’art vous propose une série de podcasts inédits en cinq épisodes.

À l’Hôtel de Lille, pour ce premier épisode hors-série, nous recevons Thomas Delamarre, commissaire de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses ».

À travers la peinture, la sculpture, la mode, le design ou le film, l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses » réunit 21 artistes de 16 pays. Elle est consacrée à la diversité des voix et à la vitalité des échanges qui animent le vaste territoire artistique européen, de Paris à Tbillissi en passant par Lisbonne ou encore Moscou.

Dans cet épisode, Thomas Delamarre revient sur sa découverte des artistes présentés dans l’exposition, leur sélection - fruit de plus d’un an de voyages - et les étapes de cette recherche - en posant notamment la question de ce qu’est « être européen » aujourd’hui.

Musique originale de Rinôçérôse.

Épisode 21 - Iris de Moüy, artiste

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Iris de Moüy. C’est une artiste française d’une quarantaine d’années.

Après des études de graphisme à Penninghen et à l’université d’art et de design d’Helsinki, Iris de Moüy partage sa carrière entre l’art et la littérature jeunesse. En parallèle de l’écriture et de l’illustration de livres pour enfants, elle dessine pour la presse, et pour des marques comme Hermès, Air France, l’ancien concept-store mythique colette ou encore Bonpoint. Très inspirée par les mouvements des corps, et en recherche perpétuelle de la représentation des émotions, Iris de Moüy a également exposé ses dessins et céramiques à l’occasion de plusieurs expositions, comme Petite conne à la librairie-galerie parisienne OFR en 2017.

Dans cet entretien, Iris de Moüy parle de ses rituels de création, de l’importance de la danse dans son travail et la sortie de son livre Horses Are Blue, édité chez Chose Commune, qui sera présenté à la librairie Yvon Lambert à Paris le 4 avril 2019, puis à Los Angeles.

Musique originale de Pablo Jacquart.

Épisode 20 - Hicham Berrada, artiste

À la Fabrique du Centre Pompidou, nous recevons Hicham Berrada. C’est un artiste franco-marocain d’une trentaine d’années.

Diplômé de l’Ecole Nationale des beaux-arts de Paris et du Fresnoy, et aujourd’hui représenté par la galerie Kamel Mennour, Hicham Berrada utilise des théorèmes physiques et des formules chimiques pour créer des formes naturelles qu’il manipule et façonne dans des cadres qu’il définit. Au travers d’un travail qui réalise un pont entre art et science, il livre des œuvres esthétiques qui documentent le génie de la nature.

Dans cet entretien, Hicham Berrada revient sur ses études, et plus particulièrement sur son expérience au Fresnoy. Il parle des résidences d’artistes, en se souvenant de son année passée à la Villa Médicis à Rome (2013-2014) et en parlant de celle qu’il passe en ce moment à la Pinault Collection à Lens (depuis septembre 2018). Enfin, il décrit son processus créatif en évoquant, notamment, la conception de l’œuvre qu’il présente dans l’exposition « La Fabrique du Vivant »  présentée au Centre Pompidou jusqu’au 15 avril 2019.

Cet épisode est réalisé en partenariat avec le Centre Pompidou.

Musique originale d'Estelle Morfin.

Épisode 19 - matali crasset, designer

Pour cet épisode, matali crasset nous reçoit dans son studio, situé dans le quartier de Belleville, à Paris. matali crasset est une designeuse française d'une cinquantaine d'années.

Diplômée en 1991 de l’Ecole Nationale Supérieure de la Création Industrielle de Paris (ENSCI), ses productions ne se limitent toutefois pas à cette unique forme de design. En effet, matali crasset a une vision totale du métier de designer : ses créations protéiformes sont le fruit de la remise en question des lieux communs du quotidien. Meubles, objets éléctroniques, espaces culturels, d'éducation ou de passages sont repensés pour proposer des scénarios de vie et de partage. Ce qui compte pour elle, c’est d’être ensemble, de vivre ensemble.

Dans cet entretien, matali crasset revient sur son parcours. Elle explique pourquoi et comment elle envisage le designer comme un anthropologue du temps présent et parle de son engagement en faveur de l’enfance. Ainsi, elle revient notamment sur son tour musical « Saule et les Hoopies » . Créé avec le Centre Pompidou, il voyage dans toute la France : avec lui, elle propose aux plus jeunes une invitation à la découverte de formes culturelles nouvelles, innovantes, audacieuses.

Cet épisode est réalisé en partenariat avec le Centre Pompidou.

Musique originale d'Estelle Morfin.

Épisode 18 - Théophile's Papers - Théophile Calot, éditeur, libraire, curateur

A l’Hôtel de Lille, nous recevons Théophile Calot. C’est un éditeur et curateur d’une trentaine d’années.

En 2011, alors qu’il est encore étudiant à l’Ecole de Recherche Graphique (ERG) à Bruxelles, il fonde Théophile’s Papers. Au début, c'est une plateforme nomade de présentation de publications francophones ou étrangères. 

Ensuite, Théophile’s Papers prend également la forme d'une librairie, puis, en 2013, d'une, maison d’édition avec la publication du livre de l’artiste Valérian Goalec, Éléments - structure horizontale 01.

Quelques éditions de livres d’artistes plus tard, Théophile Calot signe la curation de l’exposition Copies à la galerie Eric Mouchet à l’automne 2018.

Dans cet entretien, Théophile Calot retrace la naissance de Théophile’s Papers, explique son rapport au livre, ses réflexions sur la présentation au public de cet objet, et revient sur le protocole curatorial qu'il a mis en place à l'occasion de Copies, réalisant un véritable exercice de décomposition et de mise en parallèle du travail d’éditeur et de celui du curateur.

Musique originale de Pablo Jacquart

Épisode 17 - Justin Morin, artiste, curateur, professeur à la Parsons Paris

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Justin Morin. C’est un artiste français d’une trentaine d’années.

Ses oeuvres sont des étoffes de soie nouées recouvertes de motifs abstraits, des plaques d’aluminium découpées au laser, ou encore des formes géométriques en plexiglass. Elles se jouent des illusions et des jeux optiques, et sont souvent rapprochées du mouvement Light and Space, du minimalisme new yorkais, ou encore de l’art optique. Après ses études aux Beaux-Arts de Metz, il travaille quelques temps en tant que scénographe et curateur. Aujourd’hui, à côté de ses activités d’artiste et de professeur à l’école Parsons de Paris, il s’occupe de la direction artistique du journal Revue et réalise le set design d’événements - comme le défilé Louis Vuitton automne/hiver 2016. Tant à travers toutes ses activités, que dans la conception de ses œuvres, la problématique de la mise en scène est centrale pour lui.

Dans cet entretien, il explique comment ses multiples casquettes nourrissent son travail d’artiste, et parle de ses œuvres où il est régulièrement question d’industries liées à la consommation: la musique, la mode, le tourisme, les cosmétiques… Représenté par la galerie Last Resort à Copenhague, Justin Morin évoque également son rapport aux galeries d’art françaises.

Musique originale de Pablo Jacquart

Épisode 16 - Des artistes de l'atelier « Le Marquis »

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Camille Besson, Raphaël Rossi, Maxime Testu et Victor Vaysse, quatre jeunes artistes français.

Dès 2017, au sortir de la Haute école d’art et de design de Genève, de l’Ecole nationale des Beaux-arts de Paris et Lyon, du Fresnoy à Tourcoing ou encore de l’Ecole supérieure d’art de design de Reims, ils forment ensemble, aux côtés d’autres artistes, l’atelier Le Marquis, situé sur l’Île-Saint-Denis en région parisienne. Quoi qu’ils travaillent dans un même lieu et conçoivent régulièrement des expositions ensemble - comme à l’occasion du vingtième Prix de la Fondation Ricard à l’automne 2018, ou au FRAC Champagne-Ardenne en janvier 2019 - ces quatre artistes ne se définissent pas comme un groupe, et encore moins un mouvement artistique. Tandis que leurs œuvres sont à concevoir et appréhender de manière autonome, Le Marquis est un outil et un label collectif. À côté des institutions et du marché de l’art, à mi-chemin entre l’atelier partagé et le run-space, cette entité protéiforme est un lieu de création, mais aussi une plateforme au travers de laquelle ils rencontrent d’autres artistes, les exposent et s’exposent pour se rendre visible individuellement.

Dans cet entretien, ils retracent leurs années de formations durant lesquelles ils se sont rencontrés ; évoquent des problématiques de visibilité et de reconnaissance symptomatiques d’une génération de jeunes artistes émergents en France en cette fin des années 2010 et expliquent et définissent le rôle et l’influence collective du Marquis sur leur travail personnel.

Musique originale de Pablo Jacquart

Épisode 15 - Yûki Yoshikawa & Frédéric Migayrou, commissaires d'exposition

A l’Hôtel de Lille, nous recevons Yûki Yoshikawa et Frédéric Migayrou, commissaires de l’exposition Tadao Ando du Centre Pompidou.

Il y a une dizaine d’années, alors qu’il est conservateur en chef du design et de l’architecture de Centre Pompidou, et directeur adjoint du Musée national d’art moderne, Frédéric Migayrou fait la connaissance de Yûki Yoshikawa, conservatrice et éditrice au Japon. Elle vient de reprendre des études d’histoire de l’art en France. Après plusieurs années de recherches côte à côte, et en alliant leur curiosité et leur intérêt scientifique pour l’architecture japonaise d’après-guerre, ce tandem professionnel a réalisé en 2014 l’exposition Japan-ness. Architecture et urbanisme au Japon depuis 1945. Cette exposition est d’abord organisée au Musée d’Art Contemporain de Kanazawa au Japon, puis au Centre Pompidou-Metz. C’est la première à rassembler autant d’archives d’architectes de renom, comme Itsuko Hasegawa, Kenzô Tange, Arata Isokaki ou encore Tadao Ando.

Dans cet entretien, ils évoquent leur parcours respectifs, le changement du monde de l’art entre les années 1980 et aujourd’hui ; expliquent leur amour de l’architecture, ce qui les touche dans cet art particulier, et reviennent également sur la conception de l’exposition événement Tadao Ando, à visiter à la Galerie 3 du Centre Pompidou à Paris jusqu’au 31 décembre 2018.

Cet épisode est réalisé en partenariat avec le Centre Pompidou.

Musique originale d'Estelle Morfin.

Épisode 14 - Ingrid Luquet-Gad, critique d'art

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Ingrid Luquet-Gad. C’est une critique d’art de 28 ans.

Après des études de philosophie, elle commence la critique d’art en parallèle d’un master d’Histoire de l’art. Pour Ingrid Luquet-Gad, l’écriture est initialement une manière d’organiser ses idées. C’est aussi un moteur qui la pousse à aller visiter des expositions et à se confronter à l’art contemporain. Petit à petit, cette activité devient une évidence professionnelle : elle collabore alors avec i-D, Artpress, Les Inrockuptibles ou encore la Revue 02. Depuis la rentrée 2018, elle s’essaye à un autre médium, la radio, en participant régulièrement à l’émission de France Culture, La Dispute.

Dans cet entretien, elle évoque son rapport à l’écriture, les réalités de son métier de critique d’art et livre une analyse de la création contemporaine française dans les années 2010.

Musique originale de Pablo Jacquart

Épisode 13 - Part 4 - Constance Tenvik, artiste

A l’occasion de la première édition de Feÿ - rencontres d’arts en Bourgogne, nous recevons Alex Ayed, Chloé Bourgès, Louis Granet et Constance Tenvik.

Feÿ est un festival rassemblant les travaux d’une centaine d’artistes - plasticiens, cinéastes, musiciens, chefs cuisiniers… C’est pour refléter cette diversité que nous vous proposons, exceptionnellement, un épisode en quatre chapitres.

Dans cette quatrième et dernière partie, nous recevons l’artiste norvégienne Constance Tenvik. Par la peinture, la vidéo ou encore la performance, elle propose une œuvre comme une sorte de grand carnaval : la réalité et le monde imaginaire y convergent. À travers ses travaux, elle questionne avec liesse les identités et le positionnement du « soi » dans le monde.

Doublage de Clara Paumé. 

Musique originale de Pablo Jacquart.

Épisode 13 - Part 3 - Louis Granet, artiste peintre

A l’occasion de la première édition de Feÿ - rencontres d’arts en Bourgogne, nous recevons Alex Ayed, Chloé Bourgès, Louis Granet et Constance Tenvik.

Feÿ est un festival rassemblant les travaux d’une centaine d’artistes - plasticiens, cinéastes, musiciens, chefs cuisiniers… C’est pour refléter cette diversité que nous vous proposons, exceptionnellement, un épisode en quatre chapitres.

Dans cette troisième partie, nous recevons l’artiste peintre Louis Granet. Initialement formé aux Beaux-Arts de Bordeaux, puis à la bande dessinée à Angoulême, il se tourne finalement vers la peinture. Il puise dans les codes narratifs et visuels des comics, et s’inspire de son quotidien qu’il détourne et rend abstrait sur des toiles acidulées.

Musique originale de Pablo Jacquart.

Épisode 13 - Part 2 - Chloé Bourgès, réalisatrice

À l’occasion de la première édition de Feÿ - rencontres d’arts en Bourgogne, nous recevons Alex Ayed, Chloé Bourgès, Louis Granet et Constance Tenvik.

Feÿ est un festival rassemblant les travaux d’une centaine d’artistes - plasticiens, cinéastes, musiciens, chefs cuisiniers… C’est pour refléter cette diversité que nous vous proposons, exceptionnellement, un épisode en quatre chapitres.

Dans cette deuxième partie, nous recevons Chloé Bourgès. C’est une réalisatrice et scénariste française. Ancienne musicienne, elle accorde une grande importance au rythme - sons et silences. On retrouve dans ses films cette sensibilité, entre espoirs et errances dans un décor de végétation luxuriante.

Musique originale de Pablo Jacquart.

Épisode 13 - Part 1 - Alex Ayed, artiste

À l’occasion de la première édition de Feÿ - Rencontres d’arts en Bourgogne, nous recevons Alex Ayed, Chloé Bourgès, Louis Granet et Constance Tenvik.

Feÿ est un festival rassemblant les travaux d’une centaine d’artistes - plasticiens, cinéastes, musiciens, chefs cuisiniers… C’est pour refléter cette diversité que nous vous proposons, exceptionnellement, un épisode en quatre chapitres.

Dans cette première partie, nous recevons Alex Ayed. C’est un artiste plasticien qui habite entre Bruxelles et Tunis. En composant des associations d’objets qu’il trouve au gré de ses voyages, il reconstitue des univers intemporels dépassants les cadres culturels.

Musique originale de Pablo Jacquart.

Épisode 12 - Andrea Montano, photographe, réalisateur

À l’Hôtel de Lille, pour le premier épisode de la saison deux du Bruit de l’art, nous recevons Andrea Montano. C’est un photographe parisien de vingt-sept ans.

Alors qu’il étudie encore à La Cambre à Bruxelles, il participe à fonder la galerie ABILENE. Lorsqu’il revient à Paris, son micro-monde formé d’artistes et de musiciens l’amène à partager ses activités de photographe entre commandes et travaux personnels. Ainsi, en parallèle de ses collaborations avec Paradis, Moodoïd et son leader Pablo Padovani, ou encore Flavien Berger, il réalise une œuvre photographique qui tente d’accéder à la simplicité, à la recherche du symbole et de l’épure.

Dans cet entretien, Andrea Montano évoque la dimension essentielle de la musique dans son travail, son amour de la peinture de la Renaissance, et sa quête d’une esthétique pop et universelle.

Musique originale de Pablo Jacquart.

Épisode 11 - Iván Argote, artiste

Pour l’épisode final de la saison, Iván Argote nous reçoit dans son atelier en région parisienne. Cet artiste colombien de 34 ans passe, depuis sept ans, le plus clair de son temps à Paris, mais n’a pas cessé de voyager pour autant.

Ses travaux sont des photographies, des installations, des vidéos, ou encore des sculptures. Comme il le raconte ici, il envisage ses pièces comme des propositions de lecture du monde actuel : de son contexte, de son histoire, de ses traditions. Iván Argote tente de questionner la place des individus dans la société qui les entoure, en l’envisageant parfois au travers du prisme politique. Son œuvre joue ainsi des individualités, et de la relativité des points de vue.

Lauréat du prix Sam Art Projects (2011), Audi Talents Award (2013) ou encore CIFO Cisneros Fontanals Foundation (2015), il a désormais exposé son travail dans une trentaine de pays.

Dans cet entretien il évoque également sa rencontre avec son galeriste, Emmanuel Perrotin, ses résidences à l’étranger - de New York à Dubaï, en passant par Taipei ou Neuchâtel, mais aussi la manière dont il imagine peut-être, au sein de l’atelier où il nous reçoit, faire évoluer la nature de son travail.

L’exposition Deep Affection est à voir jusqu’au 28 juillet 2018 à la galerie Perrotin, au 76, rue de Turenne, dans le troisième arrondissement de Paris.

PS : Nous tenons à remercier du fond du coeur ceux qui nous suivent depuis le début, mais aussi ceux qui nous ont rejoint plus récemment. Nous vous donnons rendez-vous en septembre pour de nouvelles aventures !

Épisode 10 - Jeanne Barral, curatrice

À l'Hôtel de Lille, nous recevons Jeanne Barral. C'est une curatrice indépendante d’une trentaine d’années, qui vit actuellement à Paris après quelques années passées sur la côte californienne. 

Qu’est-ce qu’une curatrice ? C’est l’une des questions auxquelles elle répond dans cet épisode.

Comme elle le raconte ici, ce métier lui tient tout spécialement à coeur. Particulièrement attirée par la découverte des travaux de jeunes artistes encore hors-marché, elle est très attachée à leur mise en valeur.

En plus de son rôle de curatrice, elle est en charge de la communication à la galerie kamel mennour. Elle a notamment travaillé sur quelques unes des grandes expositions monographiques des artistes de la galerie, comme Anish Kapoor à Versailles, et revient avec nous sur ces événements.

Dans cet entretien, elle parle également de l’importance de cultiver, ou créer, un rapport curieux et dé-dramatisé à l’art ; de son expérience de quelques années à San Francisco - notamment la mise en place d’une rétrospective de Sophie Calle, Missing; et de l’équilibre qu’elle recherche dans la curation, entre la volonté de proposer des projets à l’objectif plus intellectuel & esthétique que financier, et celle que cette profession soit largement reconnue, qu’un modèle lui permettant d’être systématiquement rémunéré soit mis en place.

Musique originale de Pablo Jacquart.

Épisode 9 - Hugo Ruyant, artiste

A l’Hôtel de Lille, Florian, exceptionnellement tout seul, reçoit Hugo Ruyant. C'est un jeune artiste français, qui habite à Paris, mais travaille aussi parfois à Bruxelles, où il a étudié.

Le travail d’Hugo commence avec la bande dessinée : à 17 ans, il remporte un des prix Jeunes Talents du Festival d’Angoulême. À l’époque, il réalise des strips, ou des planches, qui racontent des histoires humoristiques. Aujourd’hui, son travail explore l’image imprimée sous diverses formes, depuis la sérigraphie jusqu'à la participation à des revues, notamment Lagon. Il puise toujours dans l’univers de la bande dessinée, mais en éclate les codes, y intègre ceux d’autres pratiques. Hugo cherche à ne pas figer les choses : il propose un travail en mouvement, fruit d’une recherche et d’un questionnement perpétuels, où le doute a sa place.

Dans cet épisode, il raconte ce qui fait passer son travail de la narration linéaire à une bande dessinée moins traditionnelle ; la manière dont il utilise différentes techniques d’impression, ce qu’elles apportent à ses œuvres, à sa manière de s’exprimer. Il évoque également sa collaboration avec Ellie Orain : avec elle, il a travaillé au sein de l’agence Upian, et créé Alliées, un collectif avec lequel ils ont notamment réalisé, dans les vitrines de la DRAC Île-de-France, Les étoiles, les montagnes, les rochers, les rochers, la pluie...

Musique originale de Pablo Jacquart.